Blog's y Blogeros amenazados

Desde hace unos días, ha comenzado una avanzada de denuncias y amenazas en distintos blog’s y autores, que tratan con mucho trabajo, tiempo, y en casos: con plata, rescatar material que ya no se edita, y que si se hace, se produce solo para Bs. As, Montevideo, Santiago, San Pablo o la comunidad latina de EE.UU o parte de Europa.

Sin embargo, las metodologías difieren en cuanto a la situación y persona, pero el fondo de la cuestión, intuyo es la misma: EL NEGOCIO.

Voces de la Patria Grande

Martín Lertora, es uno de los Blogeros de Música Popular más antiguos y respetado de la red de bloger’s, porque su intención siempre fue clara, explícita y concreta. Nunca en su blog, en su cadena de correos o personalmente, hizo correr material nuevo, que esté en las bateas de las disqueras o grabaciones bajadas de programas televisivos o radiales, a no ser, que fueran históricas y con permiso.
Jamás puso en su blog material literario que no haya identificado, y de lo contrario, siempre hizo saber al lector que no tenía a su alcance conocimiento sobre el autor, sugiriendo a la vez, que si alguien lo conocía o identificaba lo hiciera saber para agregar el crédito que se merecía.
Nunca, y puedo dar fe de ello como muchos de los que visitamos su anterior blog y el actual, utilizó ese medio, ni el mensajero, para denostar, injuriar o faltarle el respeto a nadie.
Un tipo desprendido, de buena fe y solidario como Martín, no merece que por segunda vez, le amarguen la vida con acusaciones y diatribas que lejos están de su persona, modo de expresión o de las publicaciones de su autoría.

Indianclub

Blog sacado de internet, dedicado a la difusión y apoyo a las comunidades aborígenes del sur continental.
Motivo: Utilización de material editado por una página sobre el mismo tema de una comunidad aborigen.
El fallo salió a favor de los denunciantes y Google debió borrar por orden judicial, el blog de nuestro amigo.
La página denunciante, es bueno se sepa, es de un grupo editor de Buenos Aires, se redacta, sube y vende publicidad, desde una oficina de la calle Perón, de la Capital Federal.
Los editores, son creadores además, de una página dedicada al cuidado del ambiente que tiene más de una denuncia penal por sobornos, publicación de opiniones inventadas con fotos de personas que nada tienen que ver con los temas que abordan dichas notas o reportajes.

Aguante La Cofradía

Amenaza de un supuesto productor y manager de un artista, que para mala leche del sujeto, los muchachos de Aguante…, tienen amistad con el artista mencionado, el que se limitó a decir: Ni fue, no es, ni lo conozco.
Resultado, los muchachos lo Mandaron a garcar a otro lado. Pero eso sí, este tipo de cosas, los puso en guardia y debieron cambiar el modo de dejar comentarios. No será gran cosa para muchos, pero que debas poner llave en tu casa, cuando siempre la tuviste abierta con buena predisposición y fe en los demás….

Resumiendo:

La música vieja, olvidada, jamás vuelta editar, desmerecida, desacredita y mal protegida por los mismos que hacen hoy un monumento de la CULTURA POPULAR, es medio raro.
En síntesis: Tipos que bastardearon nuestras raíces, que convirtieron en negocios espurios la actividad cultural de nuestro países, se dieron cuenta que siguen siendo negocios.
Y lo hicieron, después que tipos como los mencionados, demostraron con mucho trabajo, esfuerzo, tiempo, respeto y lealtad a sus lectores, que el alma de esos discos, músicos, poetas y cantores estaban intactos en la memoria de la gente.
Seguramente, la historia de los Blogger y el placer de la gente de reencontrarse con su memoria musical, poética, musical y etnográfica, sabrán agradecer el esfuerzo de Martín, de Hugo, Aguante La Cofradía y muchos más, que día a día sufren atropellos inexplicables.
No puedo hacer mucho…
Simplemente darles las gracias y dejar sentado mi compromiso con ustedes, que no es otra cosa, que decirles que seguiré y seguiremos siendo leales a cada uno de sus blog’s y personas.
Aguanten, los que amamos a nuestra música y artistas, siempre les estaremos agradecidos!!!

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Tango - O. Larroca - D. Federico - Arreglado

Aunque por allí anda un Compacto con los tangos de Federico – Larroca, me atreví a organizar con retazos de discos, un trabajo que puede ayudar a que algunos vuelvan a escuchar la magnifica voz de Oscar, y por qué no, volver a revivir una época maravillosa de la orquesta de Federico.

Seguramente nos quedamos cortos con la elección, pero es una manera de hacer saber que uno no se olvida de ciertas cosas, momentos, voces y orquestas. No me encerré en determinados temas, si no, que apunté a los que mejores estaban para publicar, ya que son sacados de discos, y aunque sew lograron buenos sonidos, no todos gozan de la misma fidelidad.

Aleman56


Oscar Larroca

Desde pequeño la guitarra fue su compañera, sus padres lo inscriben en el Conservatorio Nacional de Música, egresando con el título de profesor de guitarra, ya adolescente también comienza el estudio de canto.
Sus primeras actuaciones como cantor las realiza acompañándose con su guitarra. Su buena voz y el gusto de cantar obligaban su participación en las fiestas de fin de curso escolares.
A principios del 40 es presentado en la importante audición diaria de Radio Mitre "La famosa matinée de Juan Manuel", en la que participaban quienes se querían iniciar en la música popular. Muchas figuras importantes desfilaron por ese programa. Larroca actuó allí durante tres años acompañado por las guitarras de Pascual Avena, Enrique Maciel (hijo) y Demasi, lo que le permitió lograr perfeccionamiento técnico y experiencia artística.
A principios de 1945 el periodista y productor Carmelo Santiago lo oyó cantar y resultó impactado. Por eso, al enterarse que Domingo Federico buscaba una voz para acompañar al ya consagrado Carlos Vidal en su agrupación, invita al maestro a escucharlo. Se produce inmediatamente su debut en Radio Splendid, y el 19 de junio de ese año, graba a dúo con Vidal el tango "Pasaje de mi vida", luego siempre a dúo, la milonga "Zapatos" y "Tango del querer". El 22 de octubre registra solo, el tango "Voz de barrio".
Su actuación con Federico se extiende hasta septiembre de 1948, dejando impreso en el disco obras inolvidables como el tango de Garza y Bahr "Un tal Medina", y de Carlos Waiss, "Te espero en Rodríguez Peña", siendo su ultima grabación el tango de Francisco y Domingo Federico "Para usted amigo", el 30 de septiembre de 1948. Con esta orquesta hizo muchas presentaciones en diferentes clubes, teatros y también en el cine, en la película "Otra cosa es con guitarras" junto a Carlos Vidal.
Luego se iría con Osvaldo Manzi, pero eso es arena de otra playa.
Ahora, hablemos de:




Domingo Federico

Bandoneonísta, director, compositor y docente, nació el 4 de junio de 1916 en el barrio de Palermo y muere el 6 de abril de 2000, en la ciudad que lo acunó por años: Rosario.
Este inolvidable músico y genial melodista radicado desde hace muchos años en la ciudad de Rosario, provincia de Santa Fe, era en realidad un porteño nacido en el barrio de Palermo Viejo. Aprendió violín de su padre, luego el piano y el solfeo.
La familia después se radica en Carmen de Patagones, la ciudad más austral de la provincia de Buenos Aires, y el papá don Francisco compra un bandoneón y comienza a estudiar el instrumento ante la mirada atenta de su hijo Domingo. Se repite la historia del violín.
El bandoneón lo atrapa definitivamente y además de las clases que recibía de su papá, adquiere libros de método para su aprendizaje.
Nuevamente en Buenos Aires, comienza la secundaria y continúa estudiando el bandoneón por su cuenta con gran perseverancia.
Ya en la facultad de medicina, decide perfeccionarse en el conservatorio de Pedro Maffia y Sebastián Piana.
A los dieciséis años, junto con su hermana Nélida, a quien Domingo la había iniciado musicalmente, formó el dúo Federico para tocar en escenarios céntricos, en diferentes radios de Buenos Aires y en alguna que otra gira por el interior del país.
El entusiasmo por el tango y la buena aceptación del público, hicieron que abandonara sus estudios universitarios para dedicarse de lleno a la música. Empieza a componer y escribir sus propios temas, se convierte en un buen arreglador y arma una orquesta de señoritas, donde su hermana tenía el papel más destacado.
Después de un tiempo, pasa a integrar la formación de Scarpino, luego la orquesta de Juan Canaro para finalmente recalar en el año 1941, en la de Miguel Caló.De esta etapa nos cuenta Sara Ribot (revista "Tango y Lunfardo" Nº 55, Chivilcoy, 23 de mayo de 1990): «Un dato curioso se dio con el estreno de su tango "Al compás del corazón". Recién ingresado Federico al conjunto de Miguel Caló le mostró su tango a sus compañeros y fue muy aceptado. Los integrantes de la orquesta querían tocarlo, pero los cantores Raúl Berón y Alberto Podestá dudaban, porque no conocían bien la letra aún. Un buen día, decidieron estrenarlo sin consentimiento de Caló, a manera de travesura. El director no solía ir por la tarde a la confitería donde actuaban. Como los cantores no querían interpretarlo, uno de los más entusiastas con el tango, Enrique Mario Francini, decidió hacerlo. Así fue el improvisado debut de este tango, con gran aceptación del público, que pedía volver a oír la pieza. Cuando llegó Caló y el público le pedía el tema, este no sabía de que se trataba, pidió escucharlo e inmediatamente lo incorporó al repertorio».
«De 1941, es también "Yo soy el tango", con letra de Homero Expósito. Fue la primera grabación de Troilo con el cantor Francisco Fiorentino».
En 1943 se separa del Caló para formar su propia orquesta, con la que debuta con mucho éxito en el café Select Buen Orden, junto con sus cantores Alberto Tagle y Alfredo Castel. Como dato curioso podemos señalar que el contrabajo estaba a cargo de su padre, quien insaciable en su búsqueda, también había aprendido a dominar este instrumento.

Orquesta de Domingo Federico

La orquesta estaba integrada por Domingo Federico, como primer bandoneón y director; los bandoneones de Eduardo Corti, Priori y Thompson; Enrique Cantore, Pando, Tallaferro y Ternaski en violines; Mario Garcés como pianista y en el contrabajo Francisco Federico.
Además de Alberto Tagle y Alfredo Castel, tuvo como vocalistas a Ignacio Díaz, Carlos Vidal, Oscar Larroca, Mario Bustos, Hugo Roca, Enzo Valentino, Dante Rossi, Carlos Valdés, Armando Moreno, Rubén Sánchez y Rubén Maciel.
De todos ellos, Carlos Vidal fue sin duda el más representativo. El que impuso toda su personalidad, en versiones que quedarán imborrables en el recuerdo, tal el caso de los tangos "Yuyo verde" y "Yo".
Es contratado por Radio Splendid y toca en los más importantes escenarios porteños y bailes.
Con respecto a los bailes y las costumbres del 40, el propio Federico nos relata: «en esos años había tres tipos de público. Un sector que venía a escuchar y otro sector de bailarines, en proporciones que variaban de acuerdo con las características de la orquesta, en nuestro caso la cosa era repartida. Y un sector universal: las madres. Las madres eran un cordón que rodeaba el baile, más visible en los clubes de barrio y más diluido en los grandes salones, pero siempre presente. Estaban de custodia. Qué cómico: si a la salida del baile, uno le rozaba un pelo a una chica, te mataban; y resulta que, bailando, te la podías llevar hasta la casa».
Su obra de eximio compositor no se detiene. Así van surgiendo de su notable inspiración verdaderas joyas del género: "Yuyo verde", "A bailar", "Tristezas de la calle Corrientes", "Percal", entre otros bellísimos tangos.
En 1944 hace su primer disco que tenía de un lado su tango instrumental "Saludos" y en el acople, "La culpa la tuve yo", con la voz de Ignacio Díaz, siendo ésta la única grabación del cantor con la orquesta.
Como ya dijimos, Federico fue un melodista excepcional, un gran compositor. De su obra se destacan, además de los tangos ya mencionados: "Con el mayor gusto", "Déjame volver para mi pueblo", "Futuro", "La noche y marfil", "Tropical", "Cosas del amor", "Para usted, amigo" y en su última etapa: "Fueye azul", "Tango íntimo", "En la calle", "Dibujos", "A María Rosa", "Muy suave", "Pachito", "Un cigarrillo muerto", "Memorias", entre otros.
Relata Ricardo Barbieri (revista "Tango y Lunfardo" Nº 55): «después de una brillante trayectoria, en el año 1963, Domingo Federico fue requerido nuevamente por Miguel Caló, y junto a Armando Pontier, Enrique Francini, Raúl Berón y Alberto Podestá -entre otros-, reflotan nuevamente "La orquesta de las estrellas", conjunto que debutó en Radio El Mundo, animando las audiciones de los lunes y los jueves a las 21, en un ciclo que habría de durar tres meses, temporada en la que se estrena un nuevo tango de Federico y R. Koy, titulado "En la calle", con la voz de Raúl Berón, obra que más tarde, junto a once composiciones más, conformaría el único LP que esta orquesta grabara en el sello Odeon. Además el conjunto actuó en canal 9 y amenizaron distintos shows.»
Luego vendría su definitiva radicación en la ciudad de Rosario, donde se casa y forma una nueva orquesta con destacados músicos rosarinos y las voces de Rubén Sánchez y Rubén Maciel. También actúa, en radio, en televisión, hace grabaciones para los sellos Victor, Embassy y Rosafon, y ameniza bailes, muchas veces con una formación más pequeña, un trío denominado "Saludos".
Antes de su última experiencia orquestal había realizado 45 giras por la Argentina y países latinoamericanos y 120 recitales en el Japón, primero como bandoneonista de la orquesta de Francisco Canaro en 1961 y luego al frente del quinteto "A lo Pirincho". En Rosario se entrega a su vocación de docente en la Universidad y dirige una orquesta conformada por sus alumnos.
«Yo quería formar una orquesta de jóvenes, y acá está: Orquesta Juvenil de Tango de la Universidad Nacional de Rosario. Si algún pequeño mérito me cabe, es el de haber hecho a esta gente al tango. Ellos tienen una formación musical académica muy sólida, te leen la Biblia. Pero era necesario llevarlos a entender aspectos del lenguaje del tango, los valores y los fraseos que tenemos. Y respondieron muy bien».
Domingo Federico fue un grande entre creadores del tango y su obra es de tal calidad que, muchos de sus temas se convirtieron en genuinos clásicos del género.

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Tango - Maure con Fueye y guitarras

Luis Mariani -amigo y productor de varios de los espectáculos de Mauré- y a quien presentamos en el anterior homenaje, me contó alguna vez, que el gran cantor tenía como casi una manía, el controlar su vestimenta y su peinado, antes de salir a escena.

“Increíble, estaban anunciándolo y el jorobando con la corbata, peinándose y abotonándose el saco. Mi corazón latía como si fuera a explotar, y él, no se le movía un pelo.
Eso por un lado, y por el otro, vaya como recuerdo y anécdota una de las tantas que pasamos y nos costara unos mangos.
Un día, en medio de una pelea con otro productor (en realidad vendedor de artistas), se ve que me citó como un modelo en responsabilidad y cuidado del artista. Se ve que el tipo, no pudo olvidarse de aquel altercado con Héctor y le quedó la sangre en el ojo.
Al poco tiempo, se me ocurre organizar en la zona de Tandil, Olavarría, Azul, Bolívar y Junín, una gira con Muaré, Lesica y Rufino. Los tres acompañados por un bandoneón y tres guitarras que me aseguré, incluso antes de plantear la gira a los cantores, aunque Rufino se bajó, porque tenía contrato con la TV y no lo autorizaron.
Les pasé las partituras, los hice ensayar en la casa de mi hermano en Berisso y cuando todo estuvo listo, alquilamos un colectivo y salimos.
La cosa estaba para juntarla con la pala, e incluso, para volver a los mismos lugares, si la cosa se daba como lo había planeado.
Pero cometí una torpeza: Le di manija a la gira en Radio el Mundo y en Rivadavia.
El tipo que había discutido con Muaré y para perjudicarnos a todos, armó la misma gira con artistas del programa Grandes Valores del Tango –en ese tiempo muy fuerte en el gusto del público- en los mismos lugares y mismas fechas.
Ni hablar lo que pasó!
Nos fue mal a los dos, los artistas se llevaron algo de dinero, pero nosotros –los productores- quedamos enterrados hasta los ojos.
Al mes, me voy a Capital, para armar otra gira con Mauré, pero apuntando a la Patagonia, allí tenía contactos y cuando lo propuse todos se pusieron a disposición del armado y publicidad.
Comento la idea a Mauré y éste se me queda mirando…
-Decime Gringo…¿Cómo te fue con la gira anterior, pero la verdad eh?
-Para el carajo, en realidad, a los dos nos fue para el carajo.
-Cómo a los dos?
-Si al otro también. El que llevó a los de Grandes Valores…
-Y quién armaba eso?
-Fulano de tal…
-No me cargues..
-Si, fue él.
-Lo voy a matar, te lo juro que lo voy a matar!!!
Yo quedé frío, nunca lo había visto con semejante locura. Golpeaba la mesa del bar y se había transformado. Quería agarrar un taxi e ir a buscarlo.
Con paciencia y palabras gratas, bajé un poco su locura y me salvó la llegada de un señor, que pidió permiso para saludarlo.
Pasado el momento y ya en su casa, volví sobre el tema, y me contó lo de su bronca.
En aquella discusión que tuvieron, el tipo le había jurado que adonde fuera a cantar, él le haría otro espectáculo para joderle la vida. Y cumplió, aunque la verdad, le costó mucha guita… y no creo que le sobrara tanto.
Lo de la Patagonia?
No se hizo por los costos, aunque al año, hicimos algo en ciudad de Neuquén, La Pampa y el sur de Buenos Aires, auspiciado por una conocida marca de cigarrillos. Un exitazo!"
















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Tango - Hugo Díaz - Tangos

Hugo Díaz nace en el mítico Santiago del Estero, acunado por el sortilegio de leyendas y salamancas, telesíadas, montes de algarrobos, salitral y una soledad inmensa. El rumor de la palabra de Ricardo Rojos, el rescoldo tibio de Manuel Gómez Carrillo y de Andrés Chazarreta, las noches calurosas en que las estrellas velan con una claridad impresionante, el sueño de casi todos con el catre en los patios, la vida rodeada de música por doquier, con abuelos quichuistas memorizando las zambas viejas, ñaupas, que con su inestimable y sutil belleza brotan de la guitarra, del bombo, del arpa y del violín, que ha recordado un viejito ciego o una viejita guardadora de vidalas, hasta que le llegan a Hugo Díaz, el niño prodigio; el ushuto, el shulko, que sabe el misterio de la música desde que nace, o antes, en el vientre de su madre. Como si fuera un destinado por Dios para este milagro de verter con fluidez el arte nativista que su heredad le comunica, aunando además talento y musicalidad.

La versatilidad de Hugo Díaz trasciende lo santiagueño, sus experiencias en Europa erudita le confieren una libertad que ya no se puede aprisionar y entonces, vuela y divaga en el espacio de una canción tradicional, o en ciertas concesiones pintorescas con que se luce en los festivales, solito con su armónica y un guitarrista, desangrando sus canciones, este inmenso músico argentino, con la gracia de un chango, con el corazón de un niño.
Este santiagueño es grande, inmenso algarrobo entre todos los músicos, a cuya sombra bienhechora crecieron muchos grandes artistas. Nació en Santiago del Estero, el 10 de Agosto de 1927, y murió en Buenos Aires en 1977, donde vivía hacía muchos años.
Este Hugo Díaz, risueño, jovial, de cara redonda como un pan, de hermosos ojos negros, de labios gruesos, siempre mordaz, con su tonada santiagueña, hacía más ocurrente todo lo que decía, como un niño feliz de hacer divertir con sus chistes a los demás. Su ternura, su don carismático, su sentido de la amistad, fueron un distintivo en él. Podía deslumbrar con su maestría en la armónica, con su tic jazzístico. Era intuitivo y valioso, por su osadía de tocar con misma gracia, improvisando, imitando a sus amados fantasmas de la gran música. Tocaba también el violín, el piano, el contrabajo y el bajo con increíble soltura, ya que se inició como bajista en una banda de jazz, allá en Santiago, cuando andaba en los comienzos de la que sería su vida, la música.
Debutó en la radio de Santiago, en 1936. Era un niño cuando tomó parte de la primera orquesta folklórica, creada por el consejo de Educación de Santiago del Estero. Bajo la dirección del maestro Leopoldo Bonell, actuó como solista de la armónica. El director de orquesta Juan Carlos Barbará, lo contrata en Buenos Aires, allá por el año 1944, y debuta en la confitería Hurlingham, actuando como intérprete de música nativa.
Corre el año 1946 y Chacay Manta lo invita a formar parte del conjunto. Por ese entonces, ya había una serie de amadores fieles del folklore. Un sueño de juventud fue su primer conjunto integrado por Victoria Cura, su esposa, como cantante, Domingo Cura, su cuñado, percusionista y los guitarristas José Jerez, julio Carrizo y Nelson Murúa. Victoria era su cantante y con ella, santiagueña de voz bellísima, llegan a la gran capital.
Una mano abierta es la de Félix Pérez Cardozo (1908-1252). El honorable y bien querido músico nacido en Paraguay, que adoptara a tantos músicos paraguayos y argentinos con su famoso conjunto en el que su arpa paraguaya cobra significado nivel. Así que él, Félix Pérez Cardozo, fue el que abrió paso a Hugo Díaz, que se ganó enseguida el cariño y la admiración de todos los artistas. En esa cocina hogareña, que es el compartir las noches en las peñas, es donde TK, el sello grabador, contrata a Hugo para hacer su primer disco. luego en Odeón grabaría un repertorio más completo y en RCA encabezó la lista de éxitos.
Para Hugo, el sueño del pibe se había cumplido. A su lado, una profusión de músicos de absoluta idoneidad, llegan para conformar el más importante enjambre de talentos, Alcira, esposa de Domingo Cura, es siempre la fiel comunicadora con todos ellos. Una época gloriosa es la de Kelo Palacios, Mariano Tito, Eduardo Lagos, Osvaldo Berlinger, Oscar Alem, Eduardo Ávila y Domingo Cura, una excelencia, junto a Domingo Cura en percusión.
En verdad, era un placer oír contar a Hugo cómo había tocado el cielo con las manos. En Estados Unidos toca junto a Lous Armstrong y Oscar Peterson; valía la pena haber vivido. A raíz de su actuación en Leverkusen (Alemania), contó con el apoyo de la Casa Hohner, fabricante de las armónicas que utilizaba, que puso a Hugo, junto a sus más grandes intérpretes, en la galería de retratos de su sede central. En Bélgica (1953), pudo conocer a los grandes de la armónica, Toots Thielemans y Larry Adler. Hugo ya tenía su lugar en el mundo. Waldo de los Ríos, una figura en España e Inglaterra y generoso anfitrión de los argentinos que iban allí, lo invita a grabar junto a él. Actúa en Oriente Medio, en Japón, en Roma, en la Scala de Milán, junto a figuras como Renata Tebaldi y Mario Del Mónaco, de renombre en el canto lírico.
Así, después de una vida agitada, vuelve al pago. Vuelve a la patria y no es fácil, una vez pasada la primera excitación de la llegada. No será lo mismo conformarse con lo cotidiano, volver a una vida rutinaria, tolerarse y tolerar la exagerada y abrupta caída desde el cielo. Hugo se ríe por fuera pero no será fácil, ya que las posibilidades se limitan en trabajo. El talento prueba el sabor amargo y riguroso de sentir el dolor, la parálisis, de la rutina en lugares nocturnos, hablando de lo que fue, aguantando, resistiendo. Aún habría un obra grabada, de excelentes frutos. El manantial deja brotar canciones como la que hace con Ariel Petroccelli, aquélla Zamba del ángel.
Al morir Hugo, unos días antes, Victoria llenó de lágrimas sus hermosos ojos árabes, verdes como tunal, por su adorado esposo, y lo acompañó hasta el último hálito de vida. El éxito de Mavi, hija única de ambos, no alcanzó a ser visto por su padre, pero la hija de Hugo Díaz y Victoria es digna de ese hombrón maravilloso, que cantó a su Santiago, con el sonido de la armónica, que gimió y alcanzó la exquisita vibración de lo que llamamos música.

Recopilación Hugo Marcelo Cejas en la página:
http://hugodiaz.ar.tripod.com


Hugo Díaz – Tango
Año 1970


















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Tango - Tangos Porteños - Varios Interpretes

Amigos de Madrid, sin dar muchas explicaciones, me dejaron en el correo este CD denominado Tangos Porteños.

Es una mezcla muy rara, e incluso aparecen en medio de ellos, grabaciones de un grupo Club de Tango, del cual no tengo noticia alguna.
Sin embargo, lo creí válido como curiosidad y los subí para que lo escuchen, analicen y saquen sus propias conclusiones.
No es una cosa de otro mundo, pero se resguarda en tangos clásicos por intérpretes clásicos y seguros de ser aceptados.
Fue editado por Send Music y fue grabado en Madrid. No tengo más datos.




















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Folklore - Gente de canto

Es una formación que no deja dudas, es la continuación del Grupo Vocal Argentino.

Sin embargo, las similitudes solo se pueden encontrar en algunos temas. Y aunque no coincido con los que dicen que los arreglos son de “entre casa”, opino sí, que son lo suficientemente simples y atractivos como para llamar a escucharlos “tipo radio” sin poner el oído solo al servicio de la música.
Entiéndase bien, es un grupo que se puede escuchar y entender con relativa facilidad, algo así, como ocurre con Los Trovadores. Y sin intentar imitarlos, logran llamar la atención como para pararles la oreja y admirar su trabajo.
En el post encontrarán su formación y los temas del LP.
Disfrútenlos, valen la pena y es una de los tantos hechos auspiciosos de la década del 70, pero también de la historia grande de nuestra música popular.



Nota:
No tenía las tapas, por eso se las robé impunemente a:
Folkloreraíz.blogspot.com












Integrantes:

Luis Maria Batalle
Jorge Raul Batalle
Amilcar Scalisi
Alberto Ratto
Alcides Genanian

Temas

01 La baguala (2:29)
02 Luna tucumana (3:29)
03 La peregrinación (3:14)
04 A pura ushuta (2:43)
05 Gloria (4:18)
06 Paisaje de Catamarca (3:38)
07 José Antonio (3:22)
08 La vieja (2:16)
09 Vidala del lapacho (2:08)
10 La anunciación (2:22)

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Folklore - Armando Tejada Gómez

Nuestro común amigo, Damian Toñanez, que nos está inundando de música cuyana, nos hace portador de éste disco homenaje a Armando Tejada Gómez, tardío y con destacados intérpretes.

Digo tardío, porque el Duende Huarpe, debió tener inmediatamente a su desaparición: Muchas horas de homenaje, reconocimiento y actos que recuperaran su memoria, poesía y don de gente.
Ya hemos contado anécdotas vividas con el genial mendocino, odiaba la denigración de MENDUCO, porque aseguraba que decirle manduco a un mendocino, era como decirle PARAGUA a un Paraguayo. Solo se hacía para denigrar.
Pero, quiero dejarles algo que me han contado en muchos lugares cada vez que en la charla apareció el nombre del Duende Huarpe.
Tejada, era un tipo muy común. Muy culto, pero también dispuesto a disfrutar la vida como se diere, no como se planeara. Muchas veces, esa debilidad, le trajo problemas.
Pero en otras, ayudó mucho cuando las cosas no iban bien.
Y eso pasó muchas veces en su carrera de declamador. Muchas veces hubo de irse de algunos lugares con menos plata de la que le habían prometido. No soportaba que los que las entidades que lo llevaban, perdieran plata. Muchas veces sin ser su culpa.
Sin embargo, era así. Nunca supe de algún altercado por plata o por temas de pagos de cachet.
“Yo me puedo pelear porque me agarraron el mejor trozo de asado o me tomaron el vino, pero no por plata. La plata va y viene, un asado o un vino, se pierde y no se recupera”, decía riéndose como si fuera un chico.

Alemán56

















Un príncipe huarpe *
(Anécdota contada por Hamlet Lima Quintana)

Armando me llamó una tarde a casa. Me pidió que lo acompañara a una fiesta que lo habían invitado, fiesta que se realizaba en una casa del barrio Palermo Chico.
–Armando, allí vive la alta burguesía, ¿qué vas a hacer allí? Te han invitado como mono de circo. Quieren ver al chimpancé que dice poemas.
–Ya lo sé. Pero quiero ver qué es eso.
Se trataba realmente de una mansión señorial. De inmediato pasamos a integrar un cerrado círculo en el que estaba el dueño de casa con sus amigos. Cada uno, nosotros también, con su vaso de whisky importado en la mano. La conversación, y creo no exagerar en lo más mínimo, era de este corte:
–Recordarás que tía fulana se casó con fulanito de tal, por lo cual estamos emparentados con el general mengano, héroe de la conquista.
Toda la conversación sobre ese tema y con ese tono. De pronto el dueño de casa se percató de nuestra presencia y nos dijo: “Ay, perdónenme. No me di cuenta de que estaban ustedes, y nosotros hemos estado conversando sobre nuestra prosapia. Les pido perdón porque comprendo que ustedes no saben de estas cosas”. En una de esas salidas clásicas que tenía Armando, respondió: “Está equivocado, señor. Nosotros sabemos y comprendemos acerca de estas cosas.”
–¿Cómo es eso? –preguntó el hombre.
–Hamlet, ¿tu bisabuela materna no procede de la tribu de Coliqueo?
–Sí.
–Es mapuche entonces. Y fíjese, que yo procedo de Huarpes. Mire si comprenderemos. Nosotros somos príncipes. ¿Nos vamos, Hamlet?


Los temas

Zamba del nuevo día / Teoría de los buenos deseos
Zamba de la distancia
Canción para un niño en la calle
Zamba del laurel
Trovador del rocío
El mundo es un pañuelo
Ritual de la luz
Resurrección de la alegría
La mujer de la albahaca
Allá lejos y hace tiempo
Trapitos al sol
Tonada del angelito
Elogio del viento
Soneto y medio


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Folklore Cuyano - Super Post para Cuyanos

Damian Toñanes, colaborador inapreciable del blog, pues sin él sería imposible conseguir música cuyana, más allá de los discos que en su momento nos enviara otra gran desprendido como Martín Lertora.

Curicuyano, ahora nos mandó una tira de buenos post, para deleitar a los amigos del blog que gustan de las maravillosas cosas del folklore cuyano.
Desde el disco homenaje a Armando Tejada Gomez, hace un sobrevuelo muy bello por otras figuras del canto popular, algunas nuevas y otras históricas, que seguro los deleitarán en este MEGAPOST que gracias a su buena disposición, podemos ofrecer.
Lo muy justo y de bien nacido, sería escribirle dos palabras a su correo, para que por lo menos, sepa que su trabajo y desprendimiento tiene el eco que se merece.
El correo de nuestro común amigo cuyano es:

curicuyano@hotmail.com


Cantares de la Cañadita – Flor de Cuyo













1 claveles mendocinos
2 me voy al nango
3 no hay quien compre un corazón
4 mi flor del cerro
5 en la tumba del trovador
6 tal vez un día
7 delia marta
8 no te espere
9 hay una niña
10 ansiedad
11 la flor de cuyo
12 quiero ser

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Cesar Pollito Arroyo – El canto es un sentimiento














1 señora de la ternura
2 farritas malarguina
3 señora triste
4 esperame
5 amigo del alma
6 entre amigos
7 jazmin de luna
8 busquemos otro amor
9 si tu supieras
10 cuyana sancarlina


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Este es el primero de LOS TROVADORES DEL SUR excelentes interpretes.
Son diez casettes y los enviare de a poco y mezclado con otros conjuntos cuyanos para variar.
Abrazo cuyano.









































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Y el último, es de jovenes dispuestos a entregar lo mejor, para seguir en la huella de los grandes. Escuchelos, no son buenos, son BUENÍSIMOS!!!!

Esencia Sureña



















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Tango - Salgan - Rivero - Rivero - Salgan

Horacio Adolfo Salgán (Buenos Aires, Argentina; 15 de junio de 1916 - ) es un pianista, compositor y director de orquesta.
Es uno de los músicos de Tango más prestigiosos de la historia. Se desenvolvió como guitarrista, arreglista, director, pianista y compositor.
Su inagotable talento le permitió enunciar un lenguaje nuevo que rompió con lo establecido. Su innovación radica en el uso de ideas musicales, poéticas y vocales absolutamente nuevas, distinguiendo su obra por dicha iniciativa.
Salgan es autor de célebres temas como Grillito, A fuego lento y Del uno al cinco. Su aptitud le rindió fruto, ya que sus composiciones se estudian hoy en Europa y tienen muy buena aceptación en países de culturas tan diferentes como Japón y Finlandia. Desde la década de 1950, influenció a jóvenes músicos rioplatenses.
Para el año 1944 constituyó su primera orquesta y debutó en radio. Durante su carrera compartió escenarios con músicos de renombre como Aníbal Troilo, y cantantes de Tango como Edmundo Rivero, Roberto Goyeneche.
El famoso director de orquesta Daniel Barenboim expresó su admiración por la música de Horacio Salgan. Recibió la distinción de Personalidad Emérita de la Cultura Argentina, en el año 1995.
Dos años más tarde, Salgan fue invitado a participar de una producción de cine por el director español Carlos Saura, interpretando -A fuego lento- en una escena de su película Tango, en 1997. Horacio Salgan escribió un libro llamado Curso de Tango.

Edmundo Rivero

Edmundo Rivero fue un cantante, guitarrista y compositor argentino de tangos. Nació el 8 de junio de 1911 en Valentín Alsina (Partido de Lanús, Buenos Aires, Argentina). Su bisabuelo materno, inglés, de nombre Líonel, había sido lanceado a mediados del siglo XIX por los indios pampas, le dejó la herencia del pelo rubio y el primer nombre (su nombre completo era Leonel Edmundo Rivero). Se formó en la música clásica, estudiando canto y guitarra en el Conservatorio Nacional del barrio de Belgrano.
En sus inicios formó dúo con su hermana Eva y debutó realizando algunos pequeños conciertos para Radio Cultura interpretando música española y temas clásicos. Su carrera como cantor de tango se inicia con José de Caro y en 1935 se une a la orquesta de Julio de Caro como vocalista. Luego haría parte de otras orquestas, como las Horacio Salgán y Aníbal Troilo, imponiendo su registro de barítono y su inconfundible estilo aporteñado.
Escribió su autobiografía en un libro titulado Una luz de almacén en el cual despliega una interesante defensa del lunfardo. Fue miembro de la Academia del Lunfardo. Falleció en la ciudad de Buenos Aires, a los 74 años, el 18 de enero de 1986.


01 – Recuerdo – Instrumental
02 – A una mujer
03 – Al mundo le falta un tornillo
04 – Canchero
05 – La uruguayita Lucía
06 – Siga el corso
07 – Ojos negros – Instrumental
08 – Acquaforte
09 – Alma de loca
10 – La luz de un fósforo
11 – Lo han visto con otra
12 - Trenzas



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Folklore - Chamame del alma

Como anduve con un poco de tiempo, antes de piantarme de vacaciones, estuve escuchando bastante chamamé.

Algo de material que tenía y mucho de lo que en años, pude bajar de Internet.
En medio de tanto acordeón, buenas guitarras y particulares voces, fui ideando una selección que contiene algo de lo mucho que me gusta de la música litoraleña.
Adjunto a la misma, un cuento escrito hace mucho tiempo, que tal vez, algún paisano comedido me haga el honor de leer.
El mismo tiene que ver con la pasión de un chamamecero acordeonista que sueña con tocar en los grandes escenarios.
A ese jovencito, que hice oriundo de Curuzú Cuatia, y que actuaría en un festival de un pago cercano, terminaría siendo acompañado por la guitarra de Carlos Di Fulvio.
En realidad, intenté hacerle un homenaje a Don Carlos, motivado por la admiración que siento por uno de los grandes guitarristas, poetas y docente que conocí.
Pero también, quiero hacer extensivo el hecho, a todos aquellos que de una manera u otra, han hecho grande el chamamé, autores, compositores, cantores, músicos y difusores, que por años fueron relegados por aquellos medios, que siempre minimizaron a la música popular.
A la gente que con sus blog’s, hacen el gran esfuerzo de conseguir hacernos conocer tan maravillosa música.
A todos:
Gracias por el chamamé!

Alemán56






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Folklore - Juancito El Peregrino

El mundo amante de la música correntina lo conoce como: Juancito “El Peregrino”, pero su verdadero nombre es Juan Ronal Ferrau y nació en la ciudad de Mercedes (Corrientes) el 1 de julio de 1934.

Juancito “El Peregrino” nació artísticamente hacia 1951 y la idea fue del animador y locutor bahiense Francisco Busso Arias al observar que Juancito cantaba indistintamente por ese entonces con varios conjuntos regionales. De ahí surgió lo de “El Peregrino”.
El famosísimo Cambá Castillo lo contó en el inicio de su carrera artística cuando Juancito contaba sólo con 12 años. Luego pasó a integrar otro conjunto mercedeño: “Los Hijos de Paiubre”, que estaba conformado por: Servero Perdomo (acordeonista), Moncho Canario (bandoneonista) y las guitarras de Titi Casafús y Juan Pedemonte, y la voz de Juancito.
Años después, se acopla a la agrupación del conjunto dirigido por Ramón Lovera del recordado conjunto “Paso Lovera”.
Hacia 1953, decide probar suerte en Buenos Aires e integra una destacada agrupación de música correntina: “Conjunto Tradición” (donde suple a Odilio Godoy): Calí Aranda (acordeón), Damasio Esquivel (bandoneón) y las guitarras de Martín Torres y Eduardo Taborda.
El nombre Juancito “El Peregrino”, por ese entonces ya era respetado y admirado por la intensa emoción que ponía al interpretar los temas regionales. Era auténtico, profundo y le ponía fuego vivo a la poesía, dándole alma y luminosidad de estrellas al decir del campiriño. Además, su voz tenía resonancia maravillosa de nuestros sentimientos mas íntimos y profundos.
Para cumplir con los deberes de la Patria, en el año 1954 vuelve a Corrientes y es incorporado al regimiento asentado en Curuzú Cuatiá. Cuando es dado de baja un año después, “El Peregrino” se suma a los “Gauchos de Mburucuyá” que dirigía uno de los grandes de nuestro folklore: nada más ni nada menos que Eustaquio Miño.
Junto a este maestro, Juancito forma uno de los mejores dúos que ha dado nuestro folklore: Peregrino-Colman.
En 1956 se incorpora a otro grupo: El “Cuarteto Santa Ana” dirigido por Ernesto Montiel.
Juancito “El Peregrino”, el mercedeño, es hoy un símbolo de autenticidad. Admirable virtud la de este muchacho por defender siempre nuestro folklore y lograr destacarse y aún más grande, más luminoso, más sublime por el amor que supo identificar a Juancito El Peregrino y ubicarlo por siempre entre los mejores cantantes que ha dado nuestro folklore.
Como autor nos ha regalado temas como: “Nacido en el litoral”, “Correntino hasta morir”, “Fueron tus ojos”, “Toribio Gauna” (personaje típico éste del Taragüi e indiecito guaraní).
Falleció una fría mañana del 11 de Junio de 2009.

Extractado de:

http://www.corrienteschamame.com



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Folklore - El Chango Rodriguez - La Vuelta del cantor

Se llamaba José Ignacio Rodríguez, "Chango Rodríguez" cantautor y poeta del cancionero popular argentino. De padre catamarqueño y madre riojana, nace en Córdoba, Argentina un 31 de julio de 1914 en el domicilio de Sucre 327. Cursó sus estudios primarios y secundarios en el colegio San José de Villa del Rosario. En su juventud fue jugador del fútbol del Rioja Junior ( Provincia de la Rioja )
Vivió junto a su madre en calle Chubut 34, Córdoba.
Un 8 de enero 1965 contrae nupcias con Lidia Haydeé Margarita Bay "La gringa", la musa inspiradora de la zamba "MI LUNA CAUTIVA".
De esta unión nació, un 21 de septiembre de 1973 su hija amada, Claudia Alejandra Rodríguez Bay, hecho que quedó plasmado por el cantautor en aquella zamba "NIÑA DE CARA MORENA".
Un 7 de octubre de 1975, fallece en Córdoba.
Su familia del matrimonio está actualmente constituida por La Gringa, su hija Claudia - casada con Fernando -, Jóse Armando, Fernando Emilio Jesús y Nicolás Rodolfo- los hijos de ambos y nietos del Chango -
Por otro lado, el chango tuvo 3 hijos, Marcos Alberto, María Argentina y Matilde Adriana Rodriguez, quienes también les dieron nietos y bisnietos.
Su debut ante el público lo hizo en la Rioja y después bajo a Buenos Aires, donde fue compañero de Acosta Villafañie en Radio Belgrano en el año 1939 y de José Ramón Luna. La gran ciudad le dio de inmediato el espaldarazo, por que advirtió en él un autentico folklorista. Para ese entonces había escrito " La Mayor" - Chacarera -
Ausente del país por cuatro años y medio, viajo a Bolivia y Perú, allá por 1940.Estudio literatura andina, sus lugares históricos, la costumbre del Carnaval Cuyano.
El chango tuvo dos aficiones: La hípica, con su caballo de nombre Chango Rodríguez, y el Fútbol. Amaba a su club, Instituto Atlético Central Córdoba " La Gloria " a quien le escribiera, con la orquesta de Leonardo Miranda, en ritmo de marea " La Gloria ".
Para este hombre de profunda inspiración poética, precursor en la creación de ritmos modernos en el folklore, que tenía la virtud de puntear la guitarra y acompañarse sólo, la Pampa sureña, el Litoral rumoroso de agua, la quietud colonial del Norte, los trigales Santafecinos, las vides Cuyanas, la Patagonia de vientos agrestes, las sierras de Córdoba, serán el fruto para sus maravillosas creaciones.-
"...Yo tengo un mundo diferente en mis manos. Yo tengo mi guitarra y mi canto, y eso es mi vida. Las canciones que han salido de mí, traspasaron las fronteras y están en la calle. Es como si yo estuviera en libertad. ¡ Qué hermoso !

¿ Verdad Amigo ?....." ( Revista Folklore Argentino, año 1966 )

Extracto de su biografía, publicada en la página:
http://www.changorodriguez.com



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Tango - Julio De Caro 1924 - 1932

Nombre completo: Julio De Caro, Músico, violinista, director y compositor. (11 de diciembre de 1899 - 11 de marzo de 1980)
Tras iniciarse, en la segunda década del siglo XX, junto a los grandes creadores de la época -Eduardo Arolas, Roberto Firpo y otros-, que habían transformado el tango primitivo, y recibir la influencia de los primeros grandes melodistas del género -como Juan Carlos Cobián y Enrique Delfino-, el violinista Julio De Caro fundó con su sexteto, a partir de 1924, un nuevo y trascendental estilo. Este gravitaría como ningún otro en la historia posterior del tango, ensanchando su horizonte espiritual. Tanto que la escuela decareana en el plano instrumental y la escuela gardeliana (por Carlos Gardel) en el vocal, sentadas como modelos de interpretación del tango para la misma época pero separadamente, constituyeron desde entonces la suprema guía en sus respectivos ámbitos.
En 1924 grabó sus primeros discos para el sello Víctor, registrando dos tangos suyos: "Todo corazón" y "Pobre Margot". A lo largo de 30 años grabó 420 obras, aunque algunos coleccionistas consignan haber hallado dos decenas más. El grueso de su discografía se concentra en el período 1924-1932, que se subdivide en dos grandes series: la del sello Víctor, hasta 1928, y la de Brunswick, desde 1929.

Orquesta Julio De Caro
En 1933, De Caro ingresó en una etapa de experimentación con masas orquestales ampliadas y nuevos timbres (vientos, percusión), que a la postre desdibujaron su mensaje (él mismo se había valido en los años '20 de un curioso violín-corneta). Luego, afortunadamente, regresó a sus propias fuentes, aunque pagando el precio de caer en cierto anacronismo. Guardián hasta su retiro de las más nobles esencias, quedó un tanto marginado de la evolución del tango, tanto por su estricto apego al decarismo histórico en lo instrumental como por su dificultosa asimilación del papel central del cantor en las orquestas desde 1940.
Es sintomático que en esa década de enorme auge del tango, De Caro estuviese cinco años sin grabar.
Entre 1949 y 1953 llevó al disco 38 temas para el sello Odeón. Esa serie constituye un valiosísimo testamento sonoro, en el que vuelve sobre grandes obras que ya había grabado con medios técnicos más precarios, e incluye algunas novedades. Notablemente, "Aníbal Troilo", conmovedor homenaje en tango al gran bandoneonista, director y compositor. Hay que decir que también escribió el tango "Osvaldo Pugliese", para quien fue su máximo epígono, pero no existen registros de él, como tampoco los hay de "Piazzolla", el otro gran revolucionario del tango, a quien un visionario De Caro rindió tributo (que Piazzolla retribuyó con su "Decarísimo").
De su extensísima obra de compositor pueden destacarse varios tangos fundamentales. Además de los mencionados "Boedo" y "Tierra querida", sobresalen "Colombina" (con Francisco De Caro), "Copacabana", "Chiclana", "El arranque", "El bajel" (con Francisco), "El monito", "Guardia vieja", "La rayuela", "Loca ilusión", "Mala junta" (con Laurenz), "Mala pinta" y "Mi queja" (ambos con Francisco), "Moulin rouge", "Orgullo criollo" (con Laurenz), "Tierra querida", "Tiny" (con Maffia) y "Todo corazón".
El 11 de diciembre fue declarado Día del Tango porque en esa fecha, aunque de diferentes años, nacieron Carlos Gardel y Julio De Caro.

Extracto del artículo publicado en:
http://www.todotango.com/spanish/creadores/jdecaro.html

01. Derecho Viejo
02. Mosca Brava
03. La plegaria
04. Guardia vieja
05. Recuerdo
06. Farolito de barrio
07. Quejas de bandoneón
08. Amurado
09. Tierra querida
10. Mala junta
11. Gallo ciego
12. Color de rosa
13. Maipo
14. Amarguras



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Jazz - Feast of... Jazz

Es esta, una travesura de quién chafalonea con el blog.
Pero espero lo disfruten tanto como lo hice yo, cuando estaba armando la selección.
Encontrará aquí grandes de todos los tiempos, haciendo sus famosísimas travesuras, para que los oyentes disfrutemos al máximo cada una de sus recreaciones.
Hay todo. Exhibiciones instrumentales, muy buenos arreglos, grandes instrumentistas; y hasta una gratísima sorpresa que son Los Admiradores.
Seguro que cuando descubran su música les gustarán y disfrutaran, pero cuando vean los integrantes del grupo, entenderán por qué son tan buenos y suenan geniales.


Illinois Jacket

A mediados de los años 50 fueron una época fructífera para Illinois Jacquet, cuando estaba a punto de los 30 años. Una popular y característico saxofón tenor solista, que fácilmente podría caber en un swing, big band, bop, blues o el rhythm & blues contexto, también se afirma a sí mismo como un director de orquesta. Estas sesiones, el quinto de una serie de reediciones de clásicos etiqueta Jacquet, son todos originarios de la etiqueta de clave de Sol y producido por Norman Granz. Realizados mayormente en Nueva York, que su función cinco años-el hermano mayor, el trompetista Russell Jacquet, en una serie de conjuntos de tamaño medio que se Hype-llamado una orquesta. Como Jacquet estuvo involucrado con Granz en su muestra de Jazz en la Filarmónica de viaje, estos temas tienen naturalmente una jam session sentir. Los ocho primeros temas, a partir de 1953, disponen de un período de sesiones el ritmo de dinamita de la pianista Johnny Acea, el bajista Al Lucas, y el baterista Shadow Wilson. Trombonista Matthew Gee y el saxofonista barítono Cecil Payne vuelta a la "orquesta". Hay algo de locos, frenéticos, de balanza de pagos "fuera de la variación de este" mundo "en los dedos, la balanza de pagos" el duro ágil y rápido con un bajo-Bari y gama alta de bronce final de "Jacquet salta" y "jefes", el swing fácil de Acea de balizamiento "Es el Talk of the Town", y la trompeta contrapunto totalmente blues de Russell Jacquet como una hoja de su hermano en "RU Uno," menos Payne. La lengua de percusión aparece inspirar el calipso ritmo de lo insólito, novedad, casi "Jatap Conga". En los próximos cuatro cortes, desde 1954, Leo Parker sustituye Payne, y Osie Johnson es el hombre el baterista. Conga leyenda de Chano Pozo une a la caliente y alegre "Mambocito millones de euros," con la voz del grupo, y ahí está la riqueza arreglado "Jacquet's Dilemma" y la famosa balada "September Song", donde el tenor de Jacquet explora el espectro de azul profundo. Dos cortes más a partir de 1954 el equipo de Ben Webster y tenores al unísono con el Pozo de Jacquet en el Bopper latinizado "The Kid y la Bestia" y el seguimiento de blues Slinky "Escribí esto para el niño. De 1955 las sesiones son de Los Angeles con el West Coasters Gerald Wiggins y Carl Perkins tocando el órgano y piano, respectivamente. Esta combinación de razas de una energía limpia, y con el guitarrista Irving Ashby, la banda toma un rumbo diferente. El trompetista Harry "Sweets" Edison es papel del tenor, deslizándose fácilmente a través de "Love Is Here to Stay" y la balada "East of the Sun", mientras balancea el tono duro con diversión "Empatía" y hacer el bizcocho ranura similar a "Let la Lista de Good Times ", aquí llamado" Cool Bill "(tal vez por Bill Doggett), menos Perkins. Esta cápsula de tiempo corto, pero potente en lo que debe ser considerado como el principal de cerca de Illinois Jacquet es tan precioso como el período de mediados de recta de jazz vuelve, y es altamente recomendable.


Los Admiradores

Este grupo con ascendencias claras del Jazz, es una de las tantas formaciones de estudios, es decir, de las grabadoras, para entrar en mercados de la música instrumental muy en auge en las décadas del 30 al 80, inclusive.
Cuando comencé a buscar información sobre la orquesta, casi me muero al ver quienes la integraban. Allí me di cuenta, porque me gustó tanto a penas los escuché, sin saber quienes eran.
Orquesta:
Bongos: Willie Rodriguez, Don Lamond
Percussion: Ted Sommer, Artie Marotti
Guitar: Tony Mottola
Piano: Moe Wechsler
Bass: Bob Haggart
Brass: Pee Wee Erwin, Bobby Byrne, Tommy Mitchell
Reeds: Stanley Webb, Milt Yaner, Ezelle Watson

Faltaba Maradona, y estaban todos!!!!
Disfrútelos, valen la pena.

Count Basie
William Basie (Red Bank, 21 de agosto de 1904 - Hollywood, 26 de abril de 1984), conocido como Count Basie, fue un director de big band y pianista estadounidense de jazz.
Se trata de uno de los músicos de jazz más populares de la historia, vinculado, prácticamente durante cincuenta años, a la dirección de una big band de importante influencia en determinados registros estilísticos del jazz asociados, principalmente, al swing y a su corriente más tradicional.
Biografía [editar]
Hijo de padres músicos (su padre, Harvie Basie, tocaba el melófono y su madre, Lillian (Childs) Basie, era pianista), recibió de ella sus primeras lecciones, así como de los pianistas de stride de Harlem, especialmente de Fats Waller.
Su primer trabajo profesional consistió en acompañar a intérpretes de vaudevil y en formar parte de un grupo musical que se formó en Kansas City en 1927. Tras trabajar también en una productora de películas mudas, se unió a los Walter Page's Blue Devils en julio de 1928. El vocalista del grupo era Jimmy Rushing.
Basie abandonó la banda a comienzos de 1929 para tocar con otras orquestas, entre las que estaba la liderada por Bennie Moten. Tras la muerte de este, en 1935, Basie trabajó durante un tiempo como solista antes de formar su propia orquesta inicialmente llamada Barons of Rhythm, a la que se incorporaron muchos antiguos miembros de la banda de Moten como Walter Page (bajo), Freddie Green (guitarra), Jo Jones (batería) y Lester Young (saxofón tenor). Jimmy Rushing se convirtió en el cantante. El conjunto consiguió establecerse en el Reno Club de Kansas City y empezó a darse a conocer a través de la radio.
El periodista y productor John Hammond, tras escucharles, les recomendó a varios agentes y compañías discográficas. Como resultado de ello, la orquesta se marchó de Kansas en 1936 y firmó un contrato con el Grand Terrace de Chicago, tras lo cual le siguieron conciertos en Buffalo y Roseland en Nueva York. Su primera grabación fue en Decca Records en enero de 1937. Regresó a Chicago y luego al Ritz Carlton Hotel en Boston. Su grabación de "One O'Clock Jump" se convirtió en su primer tema en las listas de éxitos en septiembre de 1937; más tarde, tras convertirse en su tema más popular, fue incorporado al Grammy Hall of Fame.
El regreso de Basie a Nueva York tuvo lugar en 1938 en el club the Famous Door, que constituyó todo un éxito para la orquesta. En el invierno de ese año, "Stop Beatin' Round the Mulberry Bush", cantado por Rushing, entró en el Top Ten de los éxitos.

A comienzos de 1939 estuvo en Chicago, tras cambiar de compañía discográfica (de Decca a Columbia Records), y luego se marchó a la Costa Oeste.
A comienzos de los cuarenta realizó extensas giras por el país, que duraron hasta la entrada de Estados Unidos en la Segunda guerra mundial en diciembre de 1941, a partir de la cual los movimientos se redujeron.
Durante su estancia en la costa oeste participó con su orquesta en cinco películas, todas ellas realizadas en 1943: Hit Parade of 1943, Reveille with Beverly, Stage Door Canteen, Top Man y Crazy House. Obtuvo también numerosos éxitos musicales tanto en el ámbito del pop como del rhythm and blues: "I Didn't Know About You", "Red Bank Blues", "Rusty Dusty Blues", "Jimmy's Blues" y "Blue Skies".
Tras cambiar otra vez de discográfica, a RCA Victor Records, en 1947 obtuvo varios éxitos con temas como "Free Eats", "I Ain't Mad at You (You Ain't Mad at Me)", "One O'Clock Boogie", "Open the Door, Richard!", etc.
A finales de los cuarenta deshizo su orquesta en un contexto de declive general para las big bands y se decidió durante un tiempo por grupos pequeños. En 1952, sin embargo, volvió a formar una big band con vistas a la realización de giras fuera del país: en 1954, el mismo año en que se le uniría el cantante Jimmy Williams (que estaría con él hasta 1960), tocó, por ejemplo, en Escandinavia.
Con Williams publica en 1955 uno de sus títulos más renombrados, Count Basie Swings - Joe Williams Sings (Clef Records), del que el tema "Every Day (I Have the Blues)" obtendría un formidable éxito alcanzando los más altos puestos en las listas y entrando en el Grammy Hall of Fame. Tuvo también un gran éxito en 1956 su versión instrumental de "April in Paris".
Entre finales de los años cincuenta y primeros sesenta consiguió diversos premios y nominaciones en los Grammy. En 1962, Basie firmó con la nueva compañía de Sinatra, Reprise Records, y grabó con él Sinatra-Basie que entró en la lista de los Top Five a comienzos de 1963.
Todos estos éxitos populares alejaron a Basie del jazz a lo largo de toda la década de los sesenta; sin embargo, a finales de la misma retomó el género con distintos discos con cantantes como Ella Fitzgerald (Ella and Basie!, 1963); otra vez Sinatra (It Might as Well Be Swing, 1964); Sammy Davis, Jr. (Our Shining Hour, 1965); the Mills Brothers (The Board of Directors, 1968); y Jackie Wilson (Manufacturers of Soul, 1968).
Desde comienzos de los setenta empezó a realizar giras fuera y dentro de su país y firmó con la compañía Pablo Records en la que estaría hasta el final de su vida y con la que grabaría una amplia variedad de discos que alcanzaron múltiples premios y nominaciones en los Grammy.
Hacia mediados de los años setenta su salud empezó a deteriorarse, tras sufrir un ataque al corazón en 1976. Murió debido a un cáncer.


Miff Mole

Durante un período en la década de 1920, MIFF Mole era (antes de la aparición de Jack Teagarden), el trombonista más avanzados en el jazz. Se había ganado una gran reputación jugando con los Memphis Original Five (a partir de 1922) y sus múltiples grabaciones con Red Nichols durante 1926-1927 lo encontró tomando inusual saltos de intervalos con fraseo entrecortado que se ajustan perfectamente al estilo de Nichols. Sin embargo, en 1927, empezó a trabajar ...
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Durante un período en la década de 1920, MIFF Mole era (antes de la aparición de Jack Teagarden), el trombonista más avanzados en el jazz. Se había ganado una gran reputación jugando con los Memphis Original Five (a partir de 1922) y sus múltiples grabaciones con Red Nichols durante 1926-1927 lo encontró tomando inusual saltos de intervalos con fraseo entrecortado que se ajustan perfectamente al estilo de Nichols. Sin embargo, en 1927, comenzó a trabajar como músico de estudio y Mole concentra menos en el jazz durante el próximo par de décadas. Tocó con Paul Whiteman en 1938-1940 y fue con Benny Goodman en 1943. En el momento de su regreso al jazz en pequeños grupos en los años 40 a mediados de (trabajar con Eddie Condon y líder de una banda de Nick), Topo sonaba como un discípulo de Teagarden y su estilo ya no era único, aunque su registro de "Peg de Mi Corazón "era popular. De la salud MFIP Mole fue errático de la década de 1950 y fue prácticamente olvidado por el mundo más de jazz en el momento de su muerte en 1961. Sus mejores grabaciones como líder, cuando se llevó a su Molers durante 1927-1930, aunque hubo una sesión de cuatro canciones en 1937 y de los álbumes más tarde liberado por Jazzology, Commodore, Storyville, y Argo.


Listado de los temas

Illinois Jacket

01 - Little jeff
02 - Jacquet jumps
03 - Jatap conga

Los Admiradores

04 – Caravan
05 - By the river st. marie
06 - I can dream,can't i

Count Basie

07 - Check To Check
08 - She's A Wine-o
09 – Sweets

Miff Mole

10 - Crazy rhythm
11 - Love and learn
12 - One step to heave


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Jazz - Nat King Cole - Su vida en el Jazz

Nathaniel Adams Coles (Montgomery, 17 de marzo de 1919 - Santa Mónica, 15 de febrero de 1965), más conocido como Nat "King" Cole, pianista y cantante estadounidense de jazz y pop.

La familia vivía en el barrio de Bronzeville, famoso a finales de los años 20 por su vida nocturna y sus clubes de jazz. Nat visitó con frecuencia estos locales, escuchando a artistas como Louis Armstrong o Earl Hines.
Inspirado por Hines, Nat inició su carrera artística a mediados de la década de los 30 cuando aún era un adolescente. Adoptó el nombre de Nat Cole, abandonando la "s" de su apellido familiar. Su hermano mayor, Eddie, bajista, se unió a la banda de Nat cuando este realizó su primera grabación en 1936. Tuvieron un cierto éxito como banda local en Chicago y se convirtieron en habituales en los escenarios de los clubes. De hecho, el sobrenombre de "King" (rey) se lo dieron a Nat en uno de estos locales. Cole participó también como pianista en una gira junto a Eubie Blake. Cuando la gira llegó a Long Beach (California), Nat decidió establecerse allí.
Los Ángeles y el "King Cole Trio" [editar]
Nat Cole junto con otros tres músicos formaron el grupo "King Cole Swingers" con el que actuaron en numerosos locales. Nat se casó con Nadine Robinson y se trasladó a Los Ángeles donde formó el "Nat King Cole Trio". El trío estaba compuesto por Nat al piano, Oscar Moore a la guitarra y Wesley Prince al Bajo. El trío actuó en Los Ángeles desde finales de los 30 y participó también en numerosos programas de radio.
A Cole se le consideraba un pianista de jazz brillante. Apareció, por ejemplo, en los primeros conciertos de "Jazz at the Philharmonic" (JATP). Un grupo compuesto únicamente por piano, guitarra y bajo en la época de las grandes bandas significó una auténtica revolución e impuso un estilo que más tarde imitarían otros grandes del jazz y del blues como Charles Brown y Ray Charles. Cole actuó también como pianista acompañante de artistas de la categoría de Lionel Hampton.
Sin embargo, Cole no consiguió llegar al gran público hasta "Sweet Lorraine" en 1940. Aunque había cantado diversas baladas con el trío, se avergonzaba de su voz y jamás se consideró un buen cantante.
A principios de los años 40, el "King Cole Trio" firmó un contrato con la discográfica "Capitol Records" con la que continuó durante el resto de su carrera. En la década de los 50, la popularidad de Cole era tanta que el edificio de la "Capitol Records" era conocido como "la casa que construyó Nat".
Carrera como cantante [editar]
Su primer éxito como cantante lo obtuvo con "Straighten Up and Fly Right", basada en una leyenda afroamericana que su padre había utilizado como tema para sus sermones. Se considera que esta canción es la predecesora de las primera grabaciones de rock and roll.
Cole alcanzó el número uno de ventas en 1950 con la canción Mona Lisa. A partir de ese momento se inició una nueva etapa en su carrera, y se convirtió principalmente en cantante de baladas aunque no olvidó sus raíces en el jazz lo que no evitó que algunos críticos le acusaran de "haberse vendido" a la música comercial.
Nat King Cole se convirtió en el primer afroamericano en tener un programa de radio propio y en 1950 repitió la proeza, esta vez en un programa de televisión. Cole luchó durante toda su vida contra el racismo y se negó a actuar en los lugares en los que se practicaba la segregación racial. En 1956, mientras actuaba en Alabama, sufrió un ataque por miembros del "Consejo de ciudadanos blancos" que pretendían secuestrarlo. A pesar de que sufrió diversas heridas completó la actuación, en la que anunció que no volvería nunca más a actuar en el sur.
Se casó por segunda vez con Maria Ellington, con la que tuvo cinco hijos, dos de ellos adoptados. Su hija Natalie Cole es también cantante. Cole, fumador empedernido, falleció de cáncer de pulmón en 1965.



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Tango - Troilo - Goyeneche - Goyeneche - Troilo

“La dupla del Polaco con el Gordo Troilo, hoy es solo un hecho inminentemente artístico, y por lo cual, es un movimiento más de la vida artística de la cultura del espectáculo. Pero, la dignidad, calidad, sobriedad y creatividad de ambos, con el correr del tiempo los convertirá en material de culto”, me decía entusiasmado Boris Padovan – un querido amigo y fanático del tango- en una de las largas y regadas mesas de La Tanguería de Venado Tuerto.

Y no crea que supongo que Boris era un elegido para desgranar la frase, si no, porque para un tipo joven que hacía un programa de tango, todo cuanto le arrimaran le venía bien y ayudaba a encontrar la ruta justa del gusto y paladar del tanguero del interior.
Por qué?
Porque quién gusta del tango en las provincias alejadas de Buenos Aires, tiene otro concepto y disfruta el tango desde otro ángulo sentimental, que el porteño.
Lo hacemos desde la calidad y calidez del cantor, desde la simpleza o genialidad del músico, que con una formación tan complicada, puede lograr hacernos bailar y escuchar con la misma pasión.
Después, mucho después de cierta edad, empezamos a comprender cuales son las partes más sentimentales y como están atadas a nuestras vidas. Pero aquí y en principio, pasa más por la calidad, que por todo lo que luego ocurre cuando se adentra en el tango, salvo aquellos seres excepcionales que lo captan inmediatamente por su especialísima forma de sentir el arte.
Sin embargo, hoy por hoy, la gente dice, repite y asegura aquello que Boris me dijera siendo yo, un pichón con ganas de crecer y volar.
Vaya entonces éste aporte, como un recuerdo sensible y lleno de agradecimiento al Negro Varela, Jorge Luis, al Gordo Di Martino, Boris Padovan, El Gordo Vigeriego, Mito Ganim, Al cordobés Fernández, Jovell Quinteros y tantos y tantos, que me enseñaron la mayoría de lo poco que aprendí en la vida.

Aleman56



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Brasil - Walter Wanderley - Batucada

"Batucada" es un burbujeante brebaje de aromas cariocas, que fluctúa bulliciosa y delicadamente, entre la bossanova y el easy listening más “chic”, alrededor del luminoso hammnond B3 de Walter Wanderley. Un disco grabado para Verve en Nueva York, en 1967, bajo la producción del reputado Creed Taylor, productor entre otros del maravilloso Getz/Gilberto, y donde Walter Wanderley se acompaña para la ocasión de uno de nuestros intérpretes y compositores brasileños favoritos, Marcos Valle, que en este disco colabora tocando la guitarra y cediendo a Walter Wanderley un buen puñado de atemporales e irresistibles clásicos de la bossa.

Ese hammond, un tanto liviano, de Walter Wanderley, protagoniza de una forma chispeante y festiva, todos y cada uno de los temas del disco, versiones algo edulcoradas y subidas de tono, de clásicos de maestros de la bossa como Jobim, Viniciuos de Moraes, Roberto Menescal, Joao Donato o el mencionado Marcos Valle, que aún así conservan esa nostálgica y melodiosa fragilidad de la bossa en sus temas más delicados, y la energía y sensualidad del mejor jazz-samba, en sus momentos más festivos. Podría ser la perfecta banda sonora de ese despreocupado e inocente guateque a orillas del mar, que se alzaría alborozado con el embaucador e irresistible ritmo, de esos fantásticos temas de Valle, titulados "Batucada" y "Os Grilos", al igual que con ese algo más nostálgico, aunque chispeante, "O barquinho", de Roberto Menescal y Ronaldo Bôscoli, donde el hammond de Wanderley parece sonar incluso mucho más groove que en otras ocasiones. Un guateque que resplandecería con las elegantes melodías, y el sensual vaivén de las espumosas y delicadas "Minha Saudade" (João Donato), "Wave"(Jobim) y Ela é carioca (Gilbert - Tom Jobim - Vinicius de Moraes), los tres temas vocales del disco, que podrían ser las sintonías ideales para comenzar a arriesgar en las distancias cortas.

Extracto dun artigo de Mr PleasantM



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